市场·洞见丨产业工作坊为创作者打造全链条实战指南：从故事到银幕，从上海到世界

当影片落幕，灯光亮起，观众用自发的掌声向光影致敬，这也是对幕后所有工作人员的真情告白。一场精彩纷呈的光影盛宴背后，是编剧、导演、制片、发行、放映等全链条工作人员的全力以赴。

今年上海国际电影电视节国际影视市场期间，首次推出全新板块——产业工作坊，一线创作者与行业专家带来影视制作全流程分享：从源头创意的萌发到成片故事落地，从项目创投的起步到专业奖项的认可，从新导演的“失误事件簿”到资深编剧的故事法则，从小说IP的电影化改编到中小成本影片的海外盈利路径，数十场产业工作坊以一整条产业链为轴，将影视创作从创意萌芽到银幕呈现的每个关键环节逐一拆解，为创作者提供了一份可借鉴、可落地的实战指南。

当公众“想看见”和创作者“被看见”之间产生深度链接，上海国际电影电视节的平台作用愈发凸显——它将资源、人才、作品整合于一体，助力创作者在影视行业走得更稳、走得更远。

“好编剧成就好作品”是业内一致公认的法则。‌编剧陈舒参与创作的《绣春刀》《刺杀小说家》屡获行业殊荣，她在“编剧课”工作坊中以自己十余年的创作经验为底本，拆解了职业编剧的核心素养。

她将编剧素养分为“常识”与“非常识”两部分：前者是专业的理论知识、阅片量、阅读量和对世界的基础认知；后者则是无法被训练的天赋：好奇心、共情力、对他人情绪的敏感。

一个故事能不能抓人眼球，故事大纲至关重要。陈舒提出了三个要点：把故事讲清楚、植入“高光时刻”、传递创作态度。“大纲里面能不能看出创作者的态度和表达？不管你写的是类型片还是文艺片，都要有你的态度。你在大纲里有没有让阅读的人感受到你想要说什么？这是很重要的。”

除了原创故事，小说改编则是另一条路径。“小说IP改编电影《逍遥·游》”工作坊中，制片人吴觉人带来实战分享。

文学作品改编为电影，他认为关键要“找到你真正想要的那颗种子”。《逍遥·游》的小说用文字描绘了一个东北女孩患尿毒症后的生命状态，但电影必须把它变成可感知的世界。“文字是直接告诉你内容，电影有一个翻译过程，你必须跟这个世界产生直接的感官认同。”

选题定位、成本预估、组建核心团队，制片人决定项目能否迈出第一步。“制片课”工作坊上，《爱情神话》《好东西》的制片人叶婷，与青年创作者及观众分享了“十条”城市电影创制的经验与思考。她建议，选题应贴近社会情绪并快速推进，首部作品成本宜参照同类影片票房表现控制在合理下限。制作管理上，她强调内容与成本并重，片场氛围同样关键。她以《好东西》为例，分享了在外滩取景、地铁拍摄等实战经验，鼓励创作者善用在地资源和扶持政策。面对后期海量意见，她主张以不违背作品主旨为筛选底线，并提醒重视片名与物料的视觉表达。她建议养成复盘习惯，将项目中的波折转化为经验积累，保持创作的信念与热情。

好的电影作品也需要法律制度“保驾护航”。“影视项目开发中的交易解析与法律规制”工作坊中，清律律师事务所高级合伙人朱晶晶律师梳理了影视项目从开发、融资、摄制到销售的全流程，重点解析了版权购买中的期权模式、平价与溢价投资的区别及合同风险，并强调融资模式正从契约式向公司制转变以保障资金安全。

当创意化为故事文本，如何避免在银幕上犯错？“新导演失误事件簿”工作坊为大家拆解了这道难题。导演卓亦谦以长片首作《年少日记》为例，回顾了从剧本到成片过程中的“踩坑”经历。影片仅用19天拍摄完成，曾入围上海国际电影节金爵奖亚洲新人单元。

工作坊现场，他为公众展示了多个剪辑版本，逐场解说为何最初的设计“错了”。比如剧本原安排父亲去世后才发现录音带，但剪辑时发现逻辑不通：因为男主角并没有动机突然去关心爸爸。于是他将两场戏对调，让男主角先发现录音带，再有了与父亲对话的动机。

“导演课”工作坊迎来了《七月与安生》《少年的你》导演曾国祥，他以个人经历回应了年轻创作者最关心的问题：如何在具备商业能力的前提下做好创作表达。

“我不认为商业片里没有表达的空间，有限制、有框架反而会让你更有创意，好的商业片反而能表达得更全面。”但新人导演为了追求个人表达，很容易忽略项目的整体完成度。曾国祥坦言自己很少考虑“个人风格”问题，“我拍戏不是为了要建立所谓的个人风格，统一性比个人风格更重要。作品的视觉手法、镜头审美应当一致，且服务于故事。”他特别强调，导演的工作不仅是坚持自己的想法，陈可辛导演的一句话令他受用至今：“好的演员就像一个海绵，他能吸纳身边人的东西，从而把那个东西变成自己的东西。”

在“从摄影思维到导演思维”工作坊中，导演、摄影师罗冬分享了自己的转型路径。 他认为，摄影指导专注于影像表达，服务于导演与故事；而导演需统筹全局，平衡各创作维度。他回忆了胶片时代的拍摄细节，从预定胶片、高速摄影机到现场换片，强调胶片依然在当下电影创作中并行发展。他强调说：“转型的关键是找准创作初心，协同团队传递故事情感，完成从视觉执行到完整叙事的思维跨越。”

一般说来，新人导演的电影之路都离不开平台托举、政策扶持、奖项激励。上海国际电影节持续强化新人培育，以产业活动、专业奖项、海外巡展为“三轮驱动”，着力构建可持续、更健康、更具韧性的电影人才生态。在备受关注的“从创投到亚新的创作之路”工作坊中，三位新人导演揭示了上影节为新导演搭建的完整成长通道。

2024年，卞灼导演的长片首作《翠湖》入选上海国际电影节电影项目创投制作中项目（WIP）单元，2025年入围金爵奖亚洲新人单元，并荣获最佳影片奖，此后又走向海外巡展，完整走过了“创投入围，专业奖项，海外巡展”的产业闭环。

万波导演的《山中来客》同样从2024年创投创作中单元起步，2025年入选WIP单元，2026年入围金爵奖亚洲新人单元。龚依文导演的《语文的滋味》2023年入选WIP单元，2026年入围金爵奖亚新单元，并最终拿下最佳影片、最佳女演员两项殊荣。

谈及项目创投的价值，三位导演不约而同提到了同一个关键词——平台背书。万波直言：“对于新导演来说，不管找团队还是找资金，都需要有平台托底。项目创投为新导演背书，其意义远大于直接的资金支持。”

《山中来客》和《语文的滋味》都拿到了浙江文化艺术发展基金，但龚依文提及了一个现实的“条件”：“前提一定是有上影节创投的加持”。因为投资方最初并不看好《翠湖》，卞灼曾一度陷入低谷，“创投就是在你特别不确定、特别迷茫的时候，给你打一剂小小的强心针。”

此外，创投现场汇聚的评委、业内大咖、国际选片人，也为项目带来无限可能。万波回忆说：“我们曾凭借片花吸引鹿特丹电影节选片人关注，即便最终成片亮相上影节，对方依旧持续邀约，这都是创投平台带来的意外机遇。”

《狂野时代》的“听觉篇”通过1930至1940年代有声电影取代无声电影的历史背景，探讨声音与艺术的关系；《好东西》中，声音蒙太奇手法被巧妙运用，通过日常家务声和自然界声音营造出独特且富有想象力的听觉体验。在电影中，声音一直“被听见却从未被看见”，“声音指导分享”工作坊则揭开了这层神秘面纱。

李丹枫是《狂野时代》的声音指导，此前曾参与过《暴裂无声》《地球最后的夜晚》《白日焰火》多部热映影片。《狂野时代》的“听觉篇”是声音表现的极致实验，为了表现“毁灭世界的力量”，团队借用了作曲家根据巴赫音乐改编的合唱段落，将所有声部分开，分别放在影片的不同位置。“观众全程听到若隐若现的吟唱，直到最后才明白那是身体里蕴藏的所有声音的集合，我们相当于用声音写了一个剧本。”李丹枫解读说。

 声音指导龙筱竹则以《好东西》分享说：“铁梅失业后走在废弃商场里的那场戏，她刻意放大人物走路的混响，主要是为了突出铁梅重新就业的寥落。”

对于创作者而言，中小成本影片制作完成后进入发行放映终端是另一道关卡，当国内院线排片遭遇困境时，海外市场提供了另一种可能。

在“作者电影的电影节营销和国际发行”工作坊中，《寂静的朋友》《燃冬》等艺术片的制片人，赤角创始人、制片人谢萌建议创作者把电影节当作“发行的起点”。“你入围了电影节，电影的生命周期才刚刚开始。你想做的第一件事当然是拿奖，但更重要的是让电影被看见、被报道，这部分工作才是与国际发行合作的真正开始。”

“国际发行代理的价值不止于‘帮你卖片’，即便最终没有达成合作，他们的拒绝本身也是一种专业反馈，能帮你判断作品是否适合某个市场。”谢萌指出，“国际销售公司常年与世界顶级选片人、电影节和发行商保持密切沟通，他们对不同节展的选片口味、市场动向有着精准的预判。哪种风格适合哪个电影节、当下行业在寻找什么样的作品，他们比创作者本人更清楚。”

纪录片《熊猫奇遇记》国内票房仅100多万人民币，但在海外市场准同步上映后拿下30块银幕、100多万人民币票房。“一部电影在国内没票房，并不代表完全被否定了，海外还有足够多的空间。”在“中小成本华语片的海外盈利路径”工作坊中，和观映像创始人白凌雁建议创作者“提前规划”，“在创作阶段就要把海外的可能性考虑进去，不要等国内上映了再想海外发行。”她认为海外的收益是多层次、长尾式的累积：电影节放映费、版权销售、航空版权、电视版权、流媒体、艺术影院等。

《熊猫奇遇记》在海外取得不俗票房，正因为熊猫这一“文化符号”在国际市场有足够的辨识度，“从电影出发，看见文化如何流动”工作坊则给了从业者更多关于“文化出海”的真知灼见。

电影节展是电影作品走向观众的重要舞台，对电影展示与文化传播具有不可替代的作用。在“策展：让观众更立体地感受电影” 工作坊中，百老汇电影中心中国内地副总监、资深电影策展人杨洋老师分享了对电影策展的理解与案例。 她认为，策展是对作品的挑选与排列组合，关键在于寻找合适契机——纪念年份、国别交流、新片上映等都是常见出发点。她以过往策展经验为例，讲述了如何通过史料挖掘与时间线梳理，让观众立体理解创作者；在德国电影展中，她针对单部影片策划迷你科普展与歌单，延展观影体验。“策展不止于放映，更需通过物料、活动与空间设计，引导观众进入作品的世界，传递更深层的文化价值。”她总结说。

良多电影有限公司创始人李娜曾引进《还有明天》《关于约会的一切》《世界的主人》等多部现象级影片，她将发行工作定义为“文化翻译”。“翻译的不只是字幕，而是文化信息。”李娜认为，越是体现差异性的电影，越容易在国际市场上获得关注，“一部电影进入一个国家，不是一种强硬的文化输出，而是一种文化的相遇。”

在电影全产业链中，电影的生命周期一定不止于票房，内容和品牌双向奔赴，从而带动票房和衍生消费，并让品牌价值最大化。

在“影片与品牌联动《菜肉馄饨》案例分享”工作坊中，制片人顾晓东以《菜肉馄饨》为例，分享了品牌联动的实战经验。这部沪语题材影片通过与光明、国际饭店、蜂花檀香皂等老字号深度联动，在宣发层面省了近一半费用，同时让大量20年没进过电影院的老年观众重新回到了电影院。

顾晓东认为“情绪共振”是联动核心：“这些老字号本身就是上海城市记忆的一部分，可以在片子里本身带来情感情绪的共振，跟观众勾连的功效非常强烈。”此外，影片上映期间，观众持票根消费可享老字号品牌优惠。淮海路老字号整体销售额上升37%，全上海整体馄饨销量上涨约30%。

顾晓东总结了三条“品牌联动”原则：“第一，非常前置——剧本阶段就要开始谈；第二，必须准确——选择最匹配、观众最认同的品牌；第三，内容不让步——保护内容才是保障我们成功的基础。”