特约推荐丨资深影评人力荐 SIFF 30部必看佳片

对大师沃纳·赫尔佐格来说，法国南部的肖维岩洞是他知性觉醒中的重要一站，他早在12岁就对史前绘画充满了雄壮的向往。因为山体崩塌，肖维岩洞内三万两千年前的人类最古老的绘画始终尘封着，即使今天也不对外开放。赫尔佐格的纪录片《忘梦洞》让艺术在科学的显微镜下焕发宇宙般的光环，那么精彩的非看不可的岩画，我们怎么忍心让时间和空间就此失去意义。

要真正了解安杰伊·瓦伊达，就必须了解他父亲对他的投射。同样，为什么要拍《一切可售》，就必须了解瓦伊达的代表作《灰烬与钻石》的男主演兹比格涅夫·齐布尔斯基的英年早逝。瓦伊达要为他在银幕上树起纪念碑，于是有了这部戏中戏的经典。所有的角色都用了演员的真名，但导演并没有以拙劣的煽情来纪念波兰战后的杰出演员。最后，在奔腾的马群中，那个逝去的人也在飞奔。人被永远怀念，只需一个瞬间的镜头。

一部伟大的寓言电影，6天，30个长镜头，日常劳作，这是阿巴斯之后最懂得时间意义的导演。《都灵之马》的编剧是另一位匈牙利人克拉斯诺霍尔卡伊·拉斯洛，星辰的升起和陨落几乎在同时，去年10月，拉斯洛获得诺贝尔文学奖，两个多月后，贝拉·塔尔与世长辞，塔尔的《撒旦探戈》和《鲸鱼马戏团》都是根据拉斯洛的小说改编的。在上影节，几乎能够看到贝拉·塔尔的全部影片，像在他悲怆的夜空中遥望繁星。

大师比利·怀尔德可以驾驭两种完全不同风格的电影，黑色电影和喜剧片。《双重赔偿》《失去的周末》和《倒扣的王牌》是前一类，《柏林艳史》《龙凤配》《热情如火》和《桃色公寓》是后一类，伍迪·艾伦夸他的《双重赔偿》是那个年代最好的美国电影。《失去的周末》是我看过最早的怀尔德的电影，一位失意的作家很能得到共情，最关键的是，女主不是黑色电影套路中的“蛇蝎美人”，而是拯救他的人。正因为如此，《失去的周末》获得了当年奥斯卡最佳影片和最佳导演奖。

罗西里尼“战争三部曲”的终篇《德意志零年》是在柏林的残垣断壁中拍摄的，献给他刚刚去世的幼子。巴赞评价道：“罗西里尼的深刻独创性在于有意避免唤起任何温情脉脉的同情”，一个12岁孩子从告发到毒杀父亲，埃德蒙的悲剧是战争的后遗症造成的。罗西里尼这部名片让人难忘的是，流畅的移动镜头，和他独有的新现实主义的观察力。

上个世纪二三十年代，电影引来了一次高峰，与科学发展和艺术思潮有关。默片时代的开拓者一直浸染在实验的想象力之中，法国人阿贝尔·冈斯也不例外，他1923年长达近七个小时的史诗巨片刺激而好看。运动中的铁轨和火车出轨的镜头极其震撼，还有手掌中的人物形象。铁路工程师和养女的故事不算新奇，但是，列车象征着轮回，也象征着欲望的轮回。看超长的默片，如同我们钻进了老相片堆里，意犹未尽的是那些不知名的美人，徐徐述说着她们生动的历史。

这是戈达尔早期最昂贵的电影，碧姬·芭铎的出演将导演的野心有了更颠覆的显露。安德烈·巴赞有过一个评价：“《蔑视》是这个世界的故事。”戈达尔在他的《电影史》里引用了这句话，美国学者苏珊·桑塔格为此连续看了七八遍《蔑视》。戈达尔请来弗里茨·朗参演一个角色，这是和《精疲力尽》同等重要的电影。

陈哲艺“成长三部曲”的终结篇，关注身份认同、社会动荡下的人的困境，和有温度的人际关系。也在日常生活的肌理下，探究新加坡多元文化中的家庭组成。陌生人的永恒羁绊，便是一种归宿。历时13年，观众看到逐渐成长的杨雁雁和许家乐，他们在三部电影里，或演母子，或演有波澜的师生。这让人不禁联想到林克莱特的“爱在三部曲”。

这是根据巴西籍的女作家克拉丽丝·李斯佩克朵的同名中篇小说改编的，导演苏珊娜·阿马拉尔也是一位传奇巴西女导演。李斯佩克朵的小说不容易改编，她是20世纪最神秘的天才之一。来自北方的穷姑娘玛卡贝亚的境遇被她如此描写：“路上没人看她，她就像一杯冷掉的咖啡。”电影色调对比强烈，野百合常常面对的是冬天。

一部非常反映当下世界电影审美的孟加拉国电影，东南亚和南亚电影在本届上影节上有如此出色的亮相！导演马赫德·哈桑显然是卡罗维发利国际电影节的趣味，他没做达卡的城市掠影，而是在嘈杂的声音中存下留白，关于生命被遮蔽的留白。沙的隐喻，残缺的物质，都呈现一种疏离的美，尤其没有分叉的人物关系，这种微观的处理太迷人了。

瑞典女导演安杰莉卡·鲁菲耶的自传式纪录片。父亲离世，她在老家找到了自己高中时的日记。有呼吸感的摄影，文本和旧影像的渗入，纪录片也可以那么细腻而富有美感地叙事。《追忆华年》好在有逝去，有重回，最后，她去法国见了那位老师。但朦胧的情愫并没有被打破，因为人的一生中，那么美好的东西并不多。

90后英国导演奥斯卡·哈德森这部长片非常生猛和讽刺，是在超现实和政治隐喻之间游走的英伦佳片。哈德森才华横溢，分屏手法、音乐张力、荒诞故事，炙热的天气给人带来的烦躁，黑色幽默，乃至无厘头的场面，都是一种对当下西方世界的概括。《无界之环》在色调上有韦斯·安德森的特点，关于身体与伤害则得益于彼得·格林纳威。

这部丹麦纪录片具有北欧特有的影调，冷中有暖的配乐，女导演安妮·斯韦加德·伦德在大量的特写镜头中捕捉了忧伤的美。当今纪录片若能抓住核心内容以外，有超凡脱俗的审美力量的话，那么观者就能在那种意象的潜流里无限徜徉。

这是北马其顿视觉艺术家埃琳娜·切梅尔斯卡的纪录片，非常吸引人的是她重回故地——她父亲40多年前在南斯拉夫留下的一座纪念碑，导演带着对亡故的父亲和兄长的情感而来，本片充分展现了个人的缅怀和治愈，与被冲刷的时代烙印摩擦出火花。

一封来自贝鲁特的情书，一对注定在缺失中重逢的青梅竹马，这部2025年的黎巴嫩新片不仅是一部纯爱片，更将外部环境的动荡镶嵌进了这场起起伏伏的感情纠缠中。那座心中不落的小岛，原来也是割舍不了的贝鲁特。

关于维瓦尔第的电影，全片柔和的光影，女主敢于寻找自由的信念，似乎都是音乐《四季·春》带来的力量。意大利舞台剧导演达米亚诺·米基耶莱托擅长表现古典主义的美，一个沐浴着才华的人，在生命的桎梏里徜徉着；他的学生塞西莉亚最后平静地逃离了孤儿院，永远离开了老师。真实世界的维瓦尔第被埋没了整整两百年，天才不会在尘世中低头的。

超乎寻常的成熟，还有吸引人的独特的表现手法。2026年英国电影学院奖英国本土杰出首作获奖导演阿基诺拉·戴维斯，以1993年的尼日利亚为背景，用悲伤的情绪来搭起一种似真非真的视角。父与子的旅程，其实一路是若有若无的。这是导演对家乡的怀恋，人之所以脆弱，因为伟岸的父亲是摸不着的。

伊拉克纷乱时期的世相百态，纯真儿童的遭遇，一方面是贫瘠中的梦想，另一方面更是折射社会的冷漠。非常精巧的设计，直追阿巴斯的步伐。

这是一部克制而柔软的影片。分段的结构，看似三个故事，但互相关联，都是围绕着亲子关系展开，复杂的情绪在底层，包括疏离和哀伤。少年滑板手、插画、茶杯和水、儿时的照片、手表和汽车，这些道具在每一段故事里呼应。时而是自由感，时而是家庭的戒律，时而是驶向彼此，又离开彼此。

一部法国版的《粗野派》，导演史蒂芬·德穆斯提耶的新片《新凯旋门》吸引人的是，一名真正的艺术家在技术官僚和政治变幻压迫中如何坚守操守的故事。在这部电影中，出现了贝聿铭、保罗·安德鲁这些建筑设计大师。但有千千万万像斯普雷克尔一样的人，他们命运不济，因为坚守艺术的纯粹，这是一部为无名者立传的电影。

新加坡女导演陈思攸于2025年推出的长片首作，对少女成长的故事讲述得非常有质感，压抑中的性别萌芽与恶作剧，隐喻、暧昧的光亮，都有女导演特有的细腻之处。《核》的价值在于个人青春成长和身份反思之间的连接。

这是理查德·林克莱特喜欢做的事，还原新浪潮大将们其实并不容易。戈达尔、贝尔蒙多、珍·茜宝、阿涅斯·瓦尔达、特吕弗、夏布罗尔、侯麦、雅克·里维特，还有上一代的罗西里尼、谷克多。扮相太逼真了！电影基本围绕着戈达尔和他的《精疲力尽》的诞生展开。

近20年前，朱丽叶·比诺什找到如今已大名鼎鼎的舞者阿库·汉姆，成就了她对现代舞的全情投入的诠释，他们互相靠近，用诗意的语言，和更抽象的肢体语言。这是一部体现身体力量直至枯萎的纪录片。

穿过安第斯山的音乐朝圣，游牧世界中的野性和质朴。南美的纪录片并不雕琢，即使充满诗情，也不迷失，他们有天然的天马行空或者埋在泥土里的能力。这是一个执着的故事，某些瞬间惊为西部片，富有勃勃生机。

这对法国导演组合最擅长捕捉青少年的成长秘境，新片提供了研究儿童的心理样本，也加入了成人世界的情感对照。丰满、扎实而干脆的手法，令人回忆那些遥远的记忆，一定带着夏日隐秘的躁动。

这部瑞士纪录片堪称伪纪录片的典范，冰冷的音乐，热烈的动机，巴黎医生洛兰·博纳多不断前往这座南大西洋的小岛，他始终以为可以融入那里的生活，但最终不得不离开。这部纪录片在剪辑时重新梳理了逻辑。乌托邦的梦碎，《永远的特里斯坦岛》的意义在于：用那么美的景色和镜头语言来轻轻揭开真相。

这部埃及新电影完全在逼仄的室内拍摄，一对退休老人的冰箱发生故障后，平静被彻底打破。小人物的尊严受到了冲击，他们的不安与脆弱是那么动人。

格鲁吉亚电影总有一种提炼生活的美感。男主的迷失状态，是电影的角色，也是现实的角色，生命的变故与转换总会让人无所适从。

吴永刚1936年的电影，是一部超越时代的杰作。虽然有德国表现主义的影子，但早于黑色电影近十年，拿去和法国新浪潮的夏布罗尔或者路易·马勒相比，也毫不逊色。

罗伯特·布列松的《扒手》是关于孤独的极简诗篇，他显然受到了陀思妥耶夫斯基《罪与罚》的影响，同为救赎，布列松简约和克制得多，他从内部观察人物的行为动机。看上去没有感情，对白极少，布列松从来不是小说家，而是拍摄以“手、物件和眼神为主题的电影”导演，布列松有句名句——“电影的节奏应该来自心跳”。在大银幕上看《扒手》，你会跟着他的节奏听到自己的心跳。

注：如遇片目变动，请以实际排片为准。

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